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  • julio 13, 2019

    BIEL LLINÀS

    BIEL LLINÀS 

     

    Quan l’actitud esdevé forma s’inspira en el títol de l’exposició comissariada per Harald Szeeman a la Kunsthalle de Berna, a Suïssa, el 1969 (When Attitudes become Form), una proposta que va copsar i consolidar una sèrie de propostes d’artistes internacionals que es definirien com a posminimalistes. Estem parlant d’un tipus de pràctiques artístiques centrades en la poètica dels gestos, els processos i els materials, que defugien del concepte d’obra d’art tradicional.

    Partint d’aquest rerefons, l’obra es formalitza en la recreació de la superfície del taller en el que treballa l’artista a Barcelona, a partir de més de 200kg de terra extreta del terreny on ha viscut la major part de la seva vida a Mallorca.

    A partir d’aquest gest, l’obra fa referència a les condicions sota les quals es desenvolupa el treball creatiu en l’era digital, regit per la màxima productivitat i l’autoexplotació entusiasta dels cossos. La terra llaurada, obre una analogia amb el treball metòdic, rutinari i “de sol a sol” associat amb la pagesia. Finalment, el diàleg simbòlic i material entre els tres espais (el taller de Barcelona, el terreny de residència a Mallorca i l’espai expositiu del nucli urbà de Campos) aporta diferents significats i reminiscències a l’obra, que qüestiona la dissolució de la llar i la pertanyença a un indret concret, en un món abocat a la fragilitat i l’acceleració. Així mateix, s’ha documentat fotograficament el buit resultant en extreurer-la del lloc d’origen, explorant la relació entre positiu i negatiu, buit i ple.

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    La pràctica artística de Biel Llinàs es desenvolupa a partir del qüestionament dels llenguatges i codis de representació. A través de mitjans com la pintura, la fotografia o la instal·lació, mos- tra un especial interès pel concepte d’espai i la seva representació, entès com aquell indret (fisic o mental, natural o cultural, urbà o rural, concret o abstracte) que habitem, coneixem i produim diariament a través de diverses experiències.

    Reflexiona sobre temes com ara la dualitat entre realitat/ficció, la incongruència del llenguatge i els sistemes de representació com a dispositiu de poder, des d’una perspectiva multidisci- plinar, tot i que especialment marcada per la pintura. Així mateix, investiga el paper normatiu dels sistemes de signes i senyals aplicats a diversos contextos com per exemple l’espai urbà o l’espai museístic, els quals n’asseguren la seva productivitat, seguretat i ordre, sotmetent-los a lògiques de comportament predissenyades.

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  • julio 13, 2019

    MARIE TOOTH

    MARIE TOOTH

     

    Marie Tooth es el alter ego con el que Patricia Aibar (1985) firma su obra. Este seudónimo nace de la unión de los nombres de los neurólogos que dieron nombre a Charcot-Marie-Tooth, enfermedad que le fue diagnosticada a la artista catalana en la adolescencia y para cuyo dolor halló en la pintura su vía de escape. Marie Tooth firma una travesía autobiográfica que se ha convertido para Aibar en una liberación que le permite despojarse de justificaciones y encontrar en la pintura una catarsis firmada por su seudónimo.

    A los seis años recibió su primera caja de acuarelas, y desde entonces no se ha separado de ellas. Tras guardar celosamente su obra, en febrero de 2015 la muestra al público por primera en la exposición individual `Frágile ́. Así fue como desveló al mundo ese diario pictórico construido a golpe de pinceladas. Pinceladas bañadas de acuarela, pintura que considera la más noble por carecer de margen de error. El más nimio desliz no se puede ser ocultado cuando se trabaja con acuarelas, y el trabajar con una pintura carente de segundas oportunidades permite a Marie Tooth ahondar en las taras, esas que cree nos hacen verdaderamente diferentes y únicos. Porque como la artista asegura, “nuestra sombra no deja de ser nuestro niño interior reclamando amor, la versión más pura de cada uno de nosotros”.

    Actualmente se encuentra centrada en la exposición individual `Limerencia ́.

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    marietooth.com
    IG: @marie__tooth

  • julio 13, 2019

    YOSHIHITO SUZUKI

    YOSHIHITO SUZUKI

     

    Tokyo, 1987

    Reside y crea en Barcelona donde empezó su carrera como artista.

    El tema general de sus obras es Artifcial y Naturaleza. Últimamente está interesado en cosas sin forma que tienen estos conceptos y que también están conectadas con el ser humano, e intenta expresarlas mediante sus obras.
    Suele mezclar diferentes medios y hacer que las obras tengan dimensiones.

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    Idea Orgánica
    Cogiendo el mismo tema Artifcial y Naturaleza, esta obra se concentra más en el inconsciente e intenta refejarse con el de cada espectador.

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  • julio 13, 2019

    ULISES MENDICUTTY

    ULISES MENDICUTTY

    Life of Things.
    La vida de las cosas.

    Nuestras cosas llevan en sí partes de nosotros. No en vano la ciencia china del Feng Shui (¡sí, es una ciencia!) prohíbe categóricamente el uso de cosas de segunda mano, se cree que si lo haces has atrapado en tu casa un pedazo del alma de otra persona. Las cosas nos describen muchas veces mejor que las palabras.

    Las cosas cuentan historias y su silencio es devastador: ¿qué dirían las cosas si hablaran? ¿Cuántas cosas no han sido el único testigo de un hecho no verificable? ¿Cuántas cosas tristes hemos visto y cuántas, por el contrario, llenas de vida? Siempre me ha gustado contar historias con poca ayuda al espectador. No creo que la gente sea perezosa o poco creativa, creo que ponemos todo muy cerca de ellos, creo que somos aburridos.

    Me encanta contar lo que pasa en la mesa de una familia gitana, en el séptimo piso de un edificio abandonado o en una habitación de un hotel de lujo. Me gustaría decírtelo, pero me gustaría más que me dijeras lo que ves porque estoy seguro de que estoy equivocado, porque lo que veo es muy diferente de lo que ves tú. Donde veo un asesinato tu puedes ver un campo de fresas, así es el mundo paradójico y por eso tenemos cosas: su sufrimiento silencioso e intangible crea historias que nacieron para ser falsas porque son estrictamente incomprobables.

    Estas son mis cosas, son las historias de una vida que tiene lugar frente al color rosa.

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    www.mendicutty.com
    @ulises.mendicutty
    fcbk. ulisesmendicutty

  • julio 13, 2019

    ÓSCAR MARTÍN VALDESPINO

    ÓSCAR MARTÍN VALDESPINO

     

    I ’m interested in the posibilities of the vagueness as a creative tool.

    I investigate it through fragmentations of identity and the alterations of language.

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    AQUÍ NO HAY NADA

    La nada es la llave. Abre a lo desconocido.
    Edmond Jabés

     

    “Nothing is here” se trata de un proyecto expositivo que combina obras relacionadas con el tema tratado: la posibilidad de utilizar el concepto de nada en sus respectivas afecciones como elemento creativo. La pro- puesta es la continuación de una investigación empezada por el artista desde hace años, con el objetivo de identificar las posibilidades de lo inconcreto para constituir una entidad identificable. Aquí ese algo es

    la nada misma, la cual parece ser el verdadero constituyente de lo que somos. A partir de la reformulación positiva de este concepto de nada se plantean diversas obras que inciden en este sentido, estableciendo relaciones posibles entre lo que muestra su presencia y lo aparentemente vacío. En este sentido, las piezas parten de diversos supuestos a priori y utilizan diferentes “distorsionadores” para dotarlas de significado a partir de alteraciones en la apariencia, la percepción o el lenguaje.

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  • julio 13, 2019

    ROD ROBINSON

    ROD ROBINSON

    California, USA

    This will be another search and discover creative process piece.

    Maybe I ought to refer to them as SDCPP in the future. Anyway, I’m not out to make any particularly singular conceptual statement here with this type of work.
    I like to think it functions on several levels, addresses a variety of social and personal issues that effect the lives other.
    All the materials used in these works are considered waist materials. That and including objects that were once of value, cherished as a child might a new toy or a gift from a favored individual. Those objects having long lost that aura of significance and treasure. Set aside in a drawer to be forgotten, one day tossed into the waist can in a frenzy of order making with only a moment of regret.
    In the many types of materials I’m working with over the last years a constant approach has been to challenge myself with what can I create from «nothing». The notion of «nothing» being things or objects considered to have no value, no longer useful, of no importance etc. These areas in thought comprise what I consider the negative space. Some of you certainly recognize this term as representing the area around the subject when dealing with conventional drawing discourse. For me it represents the universe of possibilities that have become obsolete, deemed no longer of import in our societies.
    Here you will see plastic bags and bottle caps of every color, woven lines and tangled fishing twine. A mold injected Flamingo dancer doll shares a fixed place with the naked Action Man. These materials are stuffed into simple forms of hand sown clear plastic, fixed just out of reach from the viewer like helium balloons suspended in flight.
    Yes, I want to appeal to your sense of humor, your childish wonder, if it still has a place in your being, if not I want to awaken it. As much I’m hoping to challenge your intellect, your concern for the environment if you have any. Waist plastics in the oceans, landfills, blown freely in our city streets and country sides have become major threats to the ecosystem, the environment as a whole. I’d like to think I’m presenting a possibility of transformation of this trash into something of value and wonder, a positive presence.
    This work is meant to be an experience of the senses, to inspire wonder. It is not an object to be sold. It is a thought, a gift to be shared and shared again and again.
    I hope you enjoy it.
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  • julio 13, 2019

    OLMO SARD

    OLMO SARD

    Mans, sempre presents obrint camí,
    em permeten connectar intensament amb l’Ara dins de l’execució sensible i conscient de l’acció, arrossegant amb elles la resta del cos.

    Acariciar també amb la mirada
    completant el sentir del tacte.
    Cos, ment i esperit
    per transportar forma de l’eteri a el tangible.

    Materials que es presenten gairebé indomables en la contesa de la creació i que només defalleixin enfront de la insistència de l’artista.
    Pedra i ferro, tan presents a la guerra
    com a l’evolución de l’èsser humà.

    Diàlegs en els quals trobar els límits
    entre allò natural i allò artifi cial,
    l’orgànic i lo geomètric,
    la brutícia que atorga la vida i l’asèpsis de l’estètica.

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  • julio 13, 2019

    LAURA LÓPEZ

    LAURA LÓPEZ

    Cuando de pequeña iba a esa casa en la que los escasos rayos de sol entraban separando la oscuridad, y avanzaba por las salas de paredes abarrotadas de bodegones y paisajes y montaba mi caballete, rodeada de gente adulta, me sentía mayor. Absorbía cada ápice de sabiduría que salía de esas manos llenas de arrugas. Cerraba los ojos, levantaba la cabeza y el olor a trementina y aceite me transportaba a unos parajes imaginarios llenos de belleza.

    Los bodegones y paisajes se han transformado en líneas rectas perfilando elementos cotidianos que quedan fijos en mi retina, y en colores que se tornan en una obsesión.

    Ahora, al oler a trementina y aceite, cierro los ojos y levanto la cabeza transportándome a la belleza de esa casa de habitaciones oscuras.

    Mi pintura es ante todo primaria, no sólo por la elección de colores radiantes, sino también porque consigue traducir lo cotidiano en un lenguaje primario y espontáneo, eléctrico y punk.

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    @laurad.lopez

  • julio 13, 2019

    JORGE DE LA CRUZ

    JORGE DE LA CRUZ

    Nací en 1983 en Madrid aunque me crié en una casa de campo en Castilla La Mancha, rodeado de montañas, plantas y animales. Desde que tuve uso de razón siempre preferí la soledad del dibujo o las manualidades a los deportes o actividades en grupo. Abstraerme de la realidad, mediante el ensimismamiento del trabajo creativo, me resultaba una experiencia tremendamente gratificante que continué perfeccionando en mi adolescencia. En 2002 ingreso en la Facultad de Bellas Artes de Madrid tras un año de preparación para la prueba de acceso en la escuela de dibujo Artium Peña. Durante toda mi etapa académica cultivé un profundo desprecio hacia el establishment cultural y por ende a los convencionalismos artísticos arraigados en nuestro tiempo. En 2010 me licencio en Bellas Artes en la especialidad de artes plásticas. Tras mucho deambular por concursos, pequeños festivales y humildes exposiciones decido erigir mi propio espacio de creación para conocer a otros con mi misma percepción del arte. Así en 2011 se inaugura La Casa Franca como un club, o centro de reunión, para artistas disidentes de los circuitos artísticos. Un par de años más tarde la frustración se apodera de mí, me alejo drásticamente de concursos y exposiciones, y transformo La Casa Franca en la actual organización de cultura experimental sin ánimo de lucro. Desde 2013 me centro por completo en la gestión cultural, descubriendo una capacidad innata para coordinar todo tipo de actividades artísticas y culturales. Mi fervor creativo se manifiesta en el campo del diseño, la utilería y la escenografía, participando en grandes producciones de primera línea y trabajando en entornos de renombre como el Teatro Real de Madrid o el Ministerio de Cultura de Cooperación Internacional. Desde 2016 un fortalecido ímpetu creativo resurge en mí y comienzo a realizar, en paralelo, una serie de piezas que son reflejo de una concienzuda interiorización de mis reflexiones en años anteriores. Así comienza una etapa de autoliderazgo sobre mi entorno artístico. Mi investigación pasa a centrarse en los códigos de conocimiento intuitivo como la magia, la reflexión exhaustiva o la meditación, y a partir de esos códigos desarrollar una mitología que los transforme en materia y concepto, a la que llamo «brujería contemporánea». Algunas palabras clave para entender mi trabajo son: orden, caos, máscara y verdad.

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    www.jorgedelacruz.com
    www.instagram.com/jorgedelacruzart/

  • julio 13, 2019

    ANDREU ALCARAZ

    ANDREU ALCARAZ VALLS

    MEMORIAL 

    Monumento que se erige con el objetivo principal de que se ejerza memoria sobre algún hecho o evento particular.

    Memorial da título a una serie de trabajos pictóricos que pretenden establecer un estrechamiento entre la concepción del recuerdo materializada mediante el lenguaje audiovisual y la pintura.

    Gracias al análisis de distintas fuentes y depósitos de recuerdos almacenados por las generaciones que conviven en la actualidad, se representa una instantánea con el objetivo de provocar toda una serie de reminiscencias.

    Mostrando escenas que se desarrollan durante la infancia; prohibiciones, juegos, cumpleaños, meriendas con amigos, días en la guardería o en el colegio… El papel principal de la obra lo juegan experiencias íntimas aparentemente olvidadas por el individuo pero que han sido piezas claves para la construcción de su identidad.

    Se plantea a su vez una interacción con las herramientas que ofrece el mundo digital, adoptando distintos recursos que se presentan a diario en los dispositivos móviles e Internet. Mediante la elipsis y el borrado digital se deja entrever el rastro del olvido, una aparente supresión de fragmentos de la memoria.

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    @andreu_alcaraz

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